Biografía de Goya y sus obras.

Goya:

Francisco de Goya y Lucientes es la figura del arte español del siglo XVIII, nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos (Zaragoza) y falleció en 1828 debido a un derrame cerebral, en su vida como estudiante, viajó a Roma para estudiar el barroco italiano y después a Madrid donde concluyó sus estudios. Cuando regresó de su viaje se casó con una de las hermanas de Bayeu (Josefa Bayeu), pintor de la corte de Carlos III abriéndole a su vida nuevas oportunidades como pintor. Y así es como bajo la dirección de Mengs empieza a pintar cartones para la real fabrica de tapices representando temas costumbristas, populares para dar a conocer la visión y vida madrileña, como sus fiestas, juegos, ferias, etc. En 1786 se convierte finalmente como pintor del rey Carlos III, pero en 1790 sufre de una enfermedad que lo deja sordo, lo cual provocó un aislamiento y un fuerte carácter, dejando de ver al mundo como un conjunto de costumbres amables y empezó a considerar el lado negativo de su alrededor. Es en 1799 cuando pasa a formar parte de la cámara de pintores del rey Carlos IV, inicia grandes retratos, pero a su vez deja al descubierto los nuevos rasgos estilísticos que Goya empezó a construir, donde la pincelada suelta y el cambio de luz ocupa un importante papel en sus retratos, destacando la penetración psicológica para no captar los rasgos físicos, mas bien trata de captar los rasgos anímicos para mostrar su antipatía por el personaje. La individualidad en su obra desaparece, y trata de generalizar a la multitud como protagonistas en las escenas, al encontrarse corrompido, trata de emitir una sátira, así como una critica al mundo, a los defectos sociales y las supersticiones de la época. Francisco de Goya puedo vivir entre dos épocas revolucionarias, la primera con el régimen absoluto denominado Antiguo Régimen, y la revolución francesa también llamado Régimen Liberal. La vuelta de Fernando VII y la instalación del absolutismo en España, hace que este personaje se exilie a Burdeos donde paso el resto de su vida hasta su muerte.

Considerado como el primer pintor moderno por movimientos como el impresionismo y expresionismo, también destaca por su personalidad patriota, liberal, amor al pueblo y repudio a la corona. Cada obra obtiene un significado universal por el punto de vista filosófico y moral, ya que el carácter profundo que entrega es la ambición, el pesimismo, la crueldad y las supersticiones del ser humano. Las pinturas negras rompen la tradición del romanticismo, debido a que representa la obscuridad del país, del subconsciente, lo personal y lo colectivo.

Primer período: 1762-1775

Al llegar a Madrid y al conocer Mengs y Bayeú en la academia de San Fernando, fue influenciado en sus obras por el tono clasicista y las pinceladas vivas como también densas, mostrando así su ya aprendida técnica en la obra: Bóveda de la basílica del pilar de Zaragoza.

Al recibir todos los bocetos Francisco Bayeu, Goya había incluido el suyo llamado: Santísima virgen maría reina de los mártires. La virgen aparece rodeada de los ángeles, mártires en donde el escenario es un espacio celestial rodeado de nubes donde la iluminación anaranjada refuerza la visión sobrenatural del conjunto, las largas y empastadas pinceladas crean un atractivo juego de colores, luces y sombras difícilmente superables, en el costado izquierdo hay una bandera blanca con una cruz, símbolo principal para caracterizar fuertemente la influencia que este retrato posee, los tonos blancos que rodean el centro, aportan claridad a los costados lejos de la Virgen y del centro. Fue pintada en el techo con el fin de que el espectador alce su mirada y pueda contemplar el cielo lleno de figuras religiosas que lo observan. En los bordes la tonalidad de los colores es más obscura, debido a que entrega mayor protagonismo a la Virgen la cual esta llena de colores relucientes, así mismo se puede divisar la jerarquización de poder entre la mitología del cristianismo. La obra tiene como finalidad adornar la Basílica con retratos religiosos para un mayor esteticismo. Se considera que al ser pintada en una cúpula la cual tiene forma circular, aparenta un divinidad mayor ya que puede ser una metáfora del mundo que es redondo, haciendo divisar que los ángeles y los santos mártires nos rodean por todas partes, y que son ellos junto a la virgen que se encuentra en el centro del mundo, son los protectores del cielo y de la tierra, y que al alzar la mirada podemos estar seguros que se encuentran adorando a la Santa trinidad, por otra parte, los tonos blancos y la bandera son una simbología de paz, y el rojo de la cruz puede ser una clara referencia de la sangre de Jesucristo, el poco celeste de cielo que se puede observar sirve para recalcar que es un escenario “real” de nuestro mundo y naturaleza, ya que si no existiera podría intuirse que es una escena ficticia y fuera de nuestro alcance. La finalidad que tiene esta pintura es la aceptación del cristianismo en las personas mediante la pintura.

Segundo período: 1775-1792

Al regresar de su viaje por Italia, sigue pintando para la fábrica de tapicerías, no logra tener aún su personalidad característica del autor, sin embargo, desarrolla su estilo artístico de una vida alegre y fresca del mundo y la vida popular, sus obras reflejan una gran ligereza y colores vivos en su ejecución aprendiendo a jugar con las luces y efectos atmosféricos. Al tener una serie de problemas con Bayeu (su cuñado) inicia los retratos de cortesanos, reyes, aristócratas, etc. Un claro ejemplo es La Gallina Ciega.

También conocido como el Cucharón, es una de las pinturas mas reconocidas del artista, ya que enmarca su figura como precursor de la pintura moderna, representa uno de los juegos más populares de la época llamado la gallina ciega, el cual consistía en hacer un circulo en torno a una persona que se encontraba en el medio vendada los ojos y este a su vez debía tocarles con un bastón mientras los que estaban a su alrededor bailaban y se divertían por no ser topados. En el lienzo se pueden ver a los personajes con trajes típicos de majos y majas, en todos estos el artista destaca los colores y su sutil uso, así como la calidad táctil de las telas, se puede notar la alegría y despreocupación de estas personas que disfrutan el momento al igual que los paisajes que lo rodean, se asegura que el río al que están cerca es el Manzanares. En el retrato se ve a un árbol, una enorme piedra con hierva a su alrededor como muestra del paisaje, el día es muy claro y alegre, pero no se puede ver los rostros de estos jugadores, los movimientos son destacables, aunque las mujeres tienen cierta delicadeza. Si los colores que lo rodean fueron obscuros y opacos, reflejaría tristeza o incluso maldad, ya que no se distingue una marcada felicidad de quienes conforman el circulo, de igual forma para que es suelo no sea árido utiliza la figura de un árbol y de cierta vegetación. Al ver solo miembros de una casta real, deja ver claramente como solo la realeza tenia la oportunidad de disfrutar y tener una vida más cómoda, a diferencia de las clases más bajas. La ropa y su tono de color es usado para destacar el poder que estos poseen, ya que, si fuera de otro tipo, no se entendería muy bien quienes son. Una metáfora que esta inmersa es la injusticia social y una posible crisis en el país, ya que mientras los pobres trabajan para mantener la economía de una nación, los grandes cargos viven disfrutando de lo que otros hacen, observando y controlando.

Tercer período: 1792-1808

En este lapso empieza su sordera y con ello una nueva vida interior que le marcara hasta el último día como artista, formándolo como un visionario y ser fantástico. No solo su propia personalidad lo afecto, ya que las nuevas ideas que recorrían por Europa hizo que tuviera una actitud ultra progresista, agitada y critica por lo social, la pintura que destaca y es un reflejo del camino que tomó como pintor es La casa de locos. El mundo de la locura toma como eje principal y obsesión constante en Goya por la enfermedad que padecía durante este período.

En este retrato se ven diversas figuras desnudas por un amplia y abovedada estancia, donde observamos a un rey con corona y centro, además a un papa con tiara bendiciendo, también un militar, un cornudo, un jefe salvaje junto a un prisionero y personas no cuerdas en diferentes actitudes donde la individualización de las figuras lo convierte en auténticos protagonistas gracias de igual forma a sus expresiones. Da como resultado una atracción al conjunto, debido a las dificultosas pinceladas rápidas y precisas, al igual que los espacios y luz que lo rodean están perfectamente estructurados en esta escena. A pesar de que el titulo diga casa, el fondo que los sostiene refleja una celda o una prisión, donde todos están desesperados por salir, hay una persona en el suelo con la bata blanca, en la pintura es muy fácil de divisarlos ya que están fuera de lo común al resto, así mismo como personaje principal el que se encuentra parado, porque el color claro se refleja con mayor cantidad en él. La casa de locos es una viva referencia de los ciudadanos que conforman a un estado; el gobernador, sus trabajadores, la iglesia, comerciantes, gente pobre, militares, etc. Todos ellos juntos en un solo lugar que es el país, algunos se encuentran acostados, otros al fondo mirando asustados, y sobre todo separados, asimilando el poco trato que tienen entre todos, mientras que el lugar donde están es la cerradura que los mantendrá siempre unidos, porque jamás podrán separarse, por ende deben aprender a llevarse para poder salir del cuarto en que se encuentran y conocer al resto del mundo y formar como parte importante de él.

Cuarto período: 1808-1828

Tras la renuncia de Fernando IV y los problemas con Francia, Goya se ve marcado definitivamente con sus obras, obteniendo un pensamiento opuesto a la guerra y esto se vería reflejado en sus pinturas que ya no son narraciones, sino parte de un monólogo de un hombre sordo, cansado, hambriento y maltratado con visiones de miedo y esperanza, predomina la luz a las victimas en posibles muertes de fusilamiento y a los verdugos como parte de las sombras y escenas más obscuras al crear una fuerte tensión psicológica después de una fracasada lucha liberal, un mundo interno silencioso que a través de sus obras son precedentes del expresionismo y surrealismo usando ambientes, atmosferas, gama cromática obscuros y concepto espacial intangible para muchos, y así fue como nació la pintura Saturno devorando a su hijo.

Este retrato pertenece a las 14 pinturas negras de Goya, en la mitología saturno devoraba a sus hijos para evitar que uno de ellos lo destrone, así como lo hizo con su padre la cortarle con una hoz, entonces lo que hacía era comérselos hasta que uno de sus hijos pudo salvarse para ayudar a sus hermanos en un futuro. La mirada del personaje principal es muy terrorífica y penetrante, a su vez el autor también pudo inspirarse en los acontecimientos que pasaba el país en ese entonces, ya que era el rey quien se devoraba al pueblo, u otra metáfora es la del pueblo comiéndose a si mismo por las malas decisiones, pero como sea la historia que hay de tras, cabe resaltar la mirada de desesperación, el cuerpo ya grande y con sangre, aparte Saturno tiene el cabello largo como si de un viejo ser se tratase. Utiliza el color negro para darle mayor fuerza al asunto, otorgándole terror y suspenso. Es muy macabro ver como se mete a la boca uno de sus hijos y la falta de apego que hay entre padre e hijo.

Bibliografía

ArtEEspaña. (Junio de 2008). Francisco de Goya, Biografía y obra. Obtenido de ArtEEspaña: https://www.arteespana.com/franciscodegoya.htm

Vladearcos, E. (martes de 25 de 2020). TEMA 19: EL ARTE NEOCLÁSICO Y FRANCISCO DE GOYA. Obtenido de Rebderus: http://clio.rediris.es/n33/n33/arte/19Goya.pdf