Artistas del renacimiento

Alberto Durero: Nació el 21 de mayo de 1471 en Nuremberg, su padre le enseño orfebrería y joyería, con el paso del tiempo se interesó cada ves más por la pintura, por lo cual en 1486 ingresó en el taller de Michael Wolgemut. Después de superar a su maestro, viajó a Colmar con la intención de estudiar con el alemán Martin Schongaver, sin conocer que aquel pintor había fallecido, por ende decidió trasladarse a Basilea y Estrusburgo para realizar ilustraciones, durante este lapso, mejoró la calidad en el trazado y el detalle.

En 1494 viajo a Italia y visitó Venecia, su estadía fue de 2 años en el cual pintó castillos, paisajes, influenciados por la escuela flamenca y gótica, así como el renacimiento Italiano, despertando su interés por la geometría y proporciones humanas, xilografía y el grabado, otorgando al mundo sus obras como: Apocalipsis, La gran Pasión y La vida de la virgen. Las figuras están llenas de expresividad y tratados con gran minuciosidad.

Entre 1505 y 1507, regresó a Italia con el propósito de asentar su fama. En 1525 dedicó su tiempo a publicar libros y finalmente falleció en 1528 en Nuremberg, ejerciendo una enorme influencia para el siglo XVI.

La melancolía: Representa la virtud intelectual, en la que una mujer sentada está acompañada por un ángel Triston y un perro a sus pies. Tiene un aspecto descuidado. Apoya su cabeza en el puño, indicando estar absorta, sin actividad completa, no tiene sentido alguno. En el fondo hay objetos desordenados. Aquí intelectualiza la melancolía y la asocia al arte, está sobrecargado de significados, sintetiza al artista como genio atormentado por su creatividad.

El caballero, la muerte y el diablo: La obra alude a la virtud moral, donde la vida del cristianismo es representada por un soldado de Cristo, obteniendo un aspecto monumental y lleno de armonía, donde el caballero es viril, fuerte y sereno, el caballo es el transporte hacia un camino arduo y lúgubre, con el objetivo de vencer los peligros y tentaciones que lo acechan.El fondo que los rodea está compuesto por rocas y árboles desnudos, mientras que más adentro se refleja un castillo que es la meta del caballero, por otro lado en su trayecto se cruza con la muerte montado en un animal similar, rodeado de serpientes y con un reloj, el cual trata de acercarse para espantarlo, y este a su vez no se encuentre solo, porque atrás hay un demonio sonriendo.
Adán y Eva: Al mirar estas dos pinturas, obtenemos las influencias de lo que fue el renacimiento Italiano, Existe un tratamiento anatómico de los cuerpos, pero están idealizados a la manera Italiana, ya que las luces, colores, sombreado y volumen, tiene un tratamiento renacentista. Al ser dos piezas existe una relación, porque Adán mira como Eva recoge la manzana que la serpiente le está ofreciendo. El fondo es de color negro, para no distraer la atención de la acción de la obra, la cuál es: La tentación.
Matthias Grunewald: Fue ingeniero, pintor y maestro del renacimiento Alemán, Nació en Worzburgo(Alemania) en 1470 y su nombre real era Mathis Gothordt Neithordt.Las temáticas que empleó fueron de carácter religioso, en el que los rostros de las escenas divisaba dolor con fondos sombríos, por lo que su arte fue inspiración para expresionismos. Sus pinturas son conocidas por la forma dramática, colores vivos y especial tratamiento de luz otorgado por la paleta de colores y agitaciones de líneas que usaba. En 1509 fue pintor oficial e ingeniero hidráulico de la corte hasta 1525, conmemorado como artista por la iglesia luterana.Mathis der Maler, es una ópera de 1938 en la que narra la vida de Grunewald. hizo alrededor de 40 dibujos, 18 paneles y 7 cuadros. Las obras fueron rescatadas a finales del siglo XIX por las vanguardias considerándola como antecedente de su propia oposición, ante el naturalismo. Murió en Hallo el 31 de agosto de 1528Retablo de Isenheim: Es un arte renacentista alemán con una pintura al óleo en el panel. Combinación del arte gótico el cual fue pintado 5 años antes de la reforma de Lutero, estaba situado en el monasterio Antonite, en el cual victimas de la peste y el ergotismo, acudían para ser tratadas, y al tener la imagen de la crucifixión, refleja una semejanza de dolor entre Jesús y las personas, por ende la carne de Jesucristo se eriza con astillas dentadas. A su costado izquierdo hay una María Virgen y María Magdalena afligidas y a la derecha, Juan el Bautista en el cual tiene una copa a sus pies y un cordero, en referencia a la unión del antiguo y nuevo testamento, al igual que la redención humana. Escarnio de Cristo: En el centro del fresco se encuentra Jesús sentado sobre un banco rojo el cual esta vendado y tiene una caña y la bola del mundo en sus manos, en la cabeza una cornoa de espinas, en el fondo verde hay manos, dando a conocer el surrealismo sintético, ya que tambien hay un rostro que esta enfrentando a Cristo. A la derecha está su madre y a la izquierda Santo Domingo muy concentrado en un libro, estas dos representaciones no tienen ninguna relacion con la principal, ya que trata de emancipar a la figura imponente del hijo de Dios.
Las tentaciones de San Antonio: La obra refleja demonios en un supuesto río, imitando el habitad de cualquier especie animal que se encuentra en su ciclo de vida, por lo que existe mucha interacción entre estos, en el fondo hay una especie de isla desierta donde las raíces de los arboles están centrados como principal atención de la pintura, se puede observar el surrealismo que presenta, ya que hay muchas formas y objetos que solo pudieron salir dentro de la creatividad de un artista, el contexto que tiene el cuadro, es de las tentaciones del Abad San antonio en el desierto, ya que fue uno de los primeros monjes de la cristianidad en ir a purificar su espíritu en una cueva del desierto.
Granach Lucas: Nació en 1472 Kronach(Alemania). En 1502 realizó sus obras en Viena, y cambió su nombre por el de su ciudad natal, estuvo influenciado por Durero en cuanto a la expresividad religiosa, por consiguiente en 1505 fue llamado por Federico el sabio para pintar la corte, destacándose hasta 1550, se convirtió en un representante artístico de la reforma protestante con varios retratos de Martin Lutero, pero después de dibujar al arzobispo Magnucia, dejó en claro el vínculo de las figuras del catolicismo, no obstante se destacó por los retratos y por su rapidez en pintar. Su vida da fin en Weimar 1553.
Johannes Cuspinian y su esposa Ana: Fue retratada en 1502 y es el primer retrato alemán en el cual un díptico está unido por el paisaje de fondo que fue utilizado muy frecuentemente por el artista, Cuspinian es un profesor de la corte el cual tiene en sus manos un libro que indica las actividades humanistas y hombre erudito. Aquí se refleja el modelo principal en el que Lucas de basaba para sus obras, cabe mencionar que la esposa de Johannes no tiene tanta importancia como él, aunque en la parte de atrás hay una ave que simboliza la castidad, y el clavel en sus dedos es un símbolo de compromiso, finalmente el cisne que pelea con el águila es un emblema del coraje y fuerza.Descanso en la huida a Egipto: La obra fue realizada en 1504, en el se observa a La Virgen sentada en el prado, en sus manos está El Niño de pie extendiendo sus brazos para alcanzar las fresas que le ofrece el ángel, mientras que José está en la parte trasera observando y con el sombrero de sus manos en señal de respeto, las flores alrededor de María, simbolizan a la pureza así como el agua del arroyo junto a ellos, en la mayoría de estas obras tienen un fondo lleno de vida con una atmósfera mágica que anuncia la llamada de la escuela del Denubio, los ángeles también están llevando agua manantial, productos de una caza, y música, representando una apacible escena doméstica.
El duque Enrique el Piadoso y la duquesa Catalina: La obra se realizó en 1514, se trata de díptico, donde la vestimenta tiene mayor proporción a diferencia de los rostros dando a entender la importancia y el poder que refleja estos objetos, los duques se hallan con sus animales de compañía, donde el hombre es acompañado por un animal más grande y feroz, con la intención de caracterizar el grado de jerarquía entre hombre y mujer, mientras que la duquesa tiene en su cabeza el tocado, característico de las mujeres de la nobleza.
Baldung Grien: Alumno destacado de Albrech Durer, nació en 1476 y falleció en 1545, tomó el apodo de Grien por el uso del color verde, sus obras incluyen, pintura, retratos, grabados, ilustración, diseño de vidrieras. En 1503 hasta 1507, estudió con Durer, posterior viajó a Brisgovia donde hizo su mayor obra, en el que pintó un retablo con once paneles para la catedral, en el que representaba escenas de la vida de La Virgen. Tenía un estilo muy personal de la influencia del renacimiento Italiano, muchas de las obras fueron alegóricas, mitológicas, religiosas y escenificaba a las brujas, topando temas eróticos, horror y magníficamente imaginativo. Su objetivo era capturar la personalidad y el estado de ánimo de los sujetos retratados, en ves de conseguir una representación directa. Al ser un terrateniente, estuvo implicado en actividades cívicas Estrasburgos.
Las Edades y la muerte: Es una obra de óleo sobre tabla realizada durante 1451-1454, la muerte lleva una lanza rota y en la otra mano un reloj de arena que intuye a las horas marcadas de nuestra existencia, aparte va llevando a una anciana, la cual está más propensa de llegar a caminar junto a la muerte y dicha anciana busca arrastras consigo a una mujer en la plenitud de la belleza, pero no logra unir todo el brazo, ya que no es hora de su partida. En el suelo hay un bebé dormido junto a una lechuza, el bebé está más lejos, porque no tiene todavía un vinculo cercano con el fin del ciclo de vida, el escenario es siniestro, ya que el fondo es desolado, mientras que arriba está cristo y una cruz en el sol. En general alude a la fragilidad de la vida humana y la destrucción de la belleza.
Las Tres Gracias: Producción tardía del autor, el oleo en tabla representa a dos jóvenes semidesnudas que sostienen un libro, en el cual solo una de ellas lee, mientras que a la derecha, hay otra muchacha que sostiene un laúd y en sus piés una viola, mientras que en el suelo hay 3 niños desnudos, uno de ellos sostiene un cisne y un papel de música, mientras que en el fondo hay un árbol y una serpiente a su alrededor, esto alude a los tres placeres de la vida, música, libros y belleza.
Retrato de una dama: La obra fue elaborada en 1530 y es uno de los retratos de mujer encontrados considerados únicos, es muy evidente los detalles de vestimenta y adornos de la mujer, como el sombrero de plumas y el collar reluciente de perlas, los historiadores no han logrado concretar de que personaje se trate, por lo que consideran una ilustración abstracta de una personificación, ya que no hay modelo concreto. Pero se puede considerar que pertenece a la clase social alta, además que su casta familiar debe ser pura, por el color de piel, los colores utilizados asemejan a su poder social, como el verde de abundancia, y el naranja de tesoros, objetos únicos, piedras preciosas, etc.
Holbein Hans: Nació en 1497, pintor alemán especializado en los retablos, influenciado por el gótico y detallismo flamenco, en 1514 viajó a Basilea, comenzó a trabajar como ilustrador para impresores de la ciudad. Su primer obra lo realizó en 1516, realizaba retratos siendo considerado uno de los mejores de época, en 1526 tubo que trasladarse a Inglaterra por su visión crítica a la reforma protestante, ejecutando un retrato de la familia Moro, regresó a Basilea en 1528 pero por los cambios del ambiente de la ciudad, hizo que vuelva de nuevo a Basilea donde fue nombrado pintor de Enrique VIII, donde realizó una magnifica serie de retratos del rey y su familia, Los Embajadores es una de sus obras maestras. Se caracteriza por el uso colorido y la profundización psicológica, constituye creaciones artísticas difícilmente superables.
La Virgen del burgomaestre Meyer: Se trata de un óleo sobre una conífera, se puede divisar a una mujer con corona y en sus brazos un bebé, el cual está desnudo, asemejando a la pureza de un niño inocente, en la parte inferior hay personas arrodillándose ante el ser en brazos, todos están sobre una alfombra, para asimilar la importancia que tienen, finalmente en la parte superior hay una cúpula que los marca dentro del cuadro.
El Retrato de Nicolas Kratzer: La obra fue ejecutada en 1528 y se trata de un óleo sobre madera, la persona que es retratada es Nicolas Kratzer un astrónomo amigo de Tomás Moro, el retrato es de medio cuerpo, donde el astrónomo aparece en escorzo, la ropa que viste, es de color obscura con una mirada penetrante, a su alrededor hay instrumentos de su oficio que son representados con minuciosidad y detalles como la pintura Flamenca. 
Jane Seymour: La obra fue realizada en 1536 y se trata de un oleo sobre tabla, en 1532 estuvo afianzado con la corte de Enrique VIII, iniciando un proceso de talante manierista, donde insiste en el distanciamiento  del retratado, insertando a las figuras en un espacio real y concreto, limitando el papel en las manos, y se fundamenta en la gestualidad, haciéndolas posar, y las formas decorativas son la vestimenta que lleva cada modelo a retratar, desapareciendo la redondez clásica, imprime su linealidad. En la obra se aprecio en contraste color rojo y el fondo negro, dando mayor énfasis a la persona, además porta varias joyas, y la pose es semifrontal, donde la mirada no es recta, los movimientos ya no son necesarios.
Pieter Brueghel: Nació en 1520, es un claro ejemplo del renacimiento flamenco, es conocido por sus paisajes y alegorías, arraigada en el folclore y la tradición bíblica y clásica, en Amberes se formó como pintor y grabador antes de formar parte del gremio de San Lucas, formando parte del listado de artistas ilustres, Pieter tiene un seudónimo de campesino por la afinidad del artista en la representación de la vida campesina del siglo XVI. Se trasladó a Bruselas donde seguía produciendo obras icónicas y simbólicas. Falleció en 1569.
La Torre de Babel: Influenciada por los relatos bíblicos, esta obra refleja el acontecimiento entre Dios y las personas, donde existió una división de lenguas para evitar la comunicación entre personas y continuar con el objetivo, construir una torre tan alta que llegaría hasta los Dioses. Se puede divisar una torre a orillas de un mar, donde la inclinación es similar a la de Pisa, ya que la construcción no tiene una base sólida, a su alrededor hay embarcaciones, casas y pueblo, otro detalle es el inacabado, reflejando como el triunfo pudo haber llegado a sus manos.
El triunfo de la muerte: El baile sacado del medieval macabro, fue representada en 1566, representando todos los tipos de muertes violentas, donde las lamas ya fuera de este plano dimensional, tratan de llevarse a los vivos, el color de tierra quemada muestra los fenómenos naturales, como sismos, tormentas, incendios, etc. En la parte posterior hay una pareja de músicos, que representa la ironía de la importancia dentro de un acontecimiento peligroso, además no existe ninguna deidad religiosa, dando a entender que quizás Dios perdió la fe dentro de este pueblo, y es parte de una lección, aquí se divisa la relación entre real y fantástico que solo puede existir en la creatividad del artista.
Dulle Griet: Obra realizada en 1562, en el se ve ruinas, destrucción, criaturas híbridas, conflictos, naves, horizonte infernal, donde el paisaje refleja estar dentro del infierno, además hay un personaje corriendo por salvarse, llevando en su mano instrumentos de cónica, y en su rostro se revela una preocupación, miedo y desesperación por salir de ahí, aunque también refleja a un caballero en busca de un duelo, al no tener forma definida los objetos y paisaje, imita un surrealismo y una creatividad por parte del autor, dando entender que no esta dentro de esta realidad, además de que el apocalípsis acaba de llegar.
Bibliografía:
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